"Mishima" Paul Schrader 1985

TITULO ORIGINAL Mishima

AÑO 1985

DURACIÓN 120 min.

PAÍS EEUU

DIRECTOR Paul Schrader

GUIÓN Paul Schrader, Leonard Schrader, Chieko Schrader

MÚSICA Philip Glass

FOTOGRAFÍA John Bailey

REPARTO Ken Ogata, Kenji Sawada, Yososuke Bando, Hiroshi Mikami, Masayuki Shionoya

Se trata de un biopic sobre el peculiar Yukio Mishima, escritor japonés, nominado al Premio Nobel de Literatura en 1968 (llevándoselo su compatriota, maestro y amigo, Yasunari Kawabata), pero creo que es más famoso por su muerte que por su obra.

Palma de Oro en Cannes a la Mejor Contribución Artística (Música, Fotografía y Dirección Artística)

Nominada a la Palma de Oro.

De Mishima he leído "El pabellón de oro", "El rumor del oleaje" (en el film "El sonido de las olas"), "El marino que perdió la gracia del mar", "Música", "La perla y otros cuentos", "Confesiones de una máscara" y su ensayo, bastante autobiográfico, "Lecciones espirituales para jóvenes samurais". Mishima es un escritor que me gusta mucho, a pesar de sus ideas.

Debo decir que me he dado cuenta de que este film de Paul Schrader (más famoso por su colaboración en los guiones de las primeras películas de Martin Scorsese como "Taxi driver" o "Toro Salvaje"), muy desconocido hoy en día, ha influenciado claramente en otros cineastas como, por ejemplo, a Clint Eastwood para realizar "Cartas desde Iwo Jima" (especialmente en el uso de la fotografía casi B/N que aparece en muchas escenas) o Lars Von Trier por la estructura narrativa y su puesta en escena para "Dogville" y "Manderlay" (poco más de Von Trier he visto) ¿Por qué? Pues porque Paul Schrader se ha decantado por contarnos la vida de Mishima de un modo completamente distinto a lo acostumbrado, no es una sucesión de episodios linealmente dicho.

Todo arranca precisamente el último día de Yukio Mishima, el día en que decide, junto con cuatro de sus leales hombres de su ejército privado (entre los que destaca Morita, de quien hablaré de él más adelante, aunque el film no haya dicho mucho de él) en que van al cuartel general del ejército de aire de Japón para una última misión: que Japón vuelva a los ideales samurais.

Hay que entender quién era Yukio Mishima para entender el por qué de todo esto. A Mishima desde muy pequeño le han inculcado que pertenece a una estirpe de samurais muy noble, su verdadero nombre era Kimitake Hiraoka (que significa "principe guerrero", lo que ya dice mucho) de tal modo que ha de llegar a despreciar a la gentuza (y esto se ve en el personaje de su tía en el film). Además Mishima opina que no hay nada más bello que el cuerpo humano, ver de niño el famoso cuadro de "San Sebastián" que aparece atado a una columna y lleno de flechas le descubrió esa belleza especial, de tal modo que él la buscó en sí mismo, con lo que el hombre se convirtió en un narcisista de por vida, yendo todos los días a entrenar para alcanzar la perfección, además, según confesó, se volvió homosexual, pero, sin embargo, la misión de su vida, que era restaurar el código samurai en un decadente ejército nipón muy influenciado por las corrientes occidentales (y sin embargo, estaba obsesionado por alcanzar fama mundial y que sus libros fueran traducidos en todo el mundo), afirma que debe ser hetero para alcanzarlo. Sin embargo, aunque se casó y tuvo hijos, se sabe que Mishima pudo llevar una doble vida de homosexual y, es más, en su ejército privado (nacido con la misión de instaurar el código samurai) estaba su supuesto amante, al ya mencionado Morita, que fue el mismo que mató a Mishima. Mishima sabía que la edad es un enemigo de la belleza natural (y esto aparece reflejado en el film) con lo que decidió morir, según él, joven (45 años) para no perder la belleza.

Pero tenía su misión, así que un día, creo que noviembre, marchó con cuatro de sus leales hombres, entre ellos Morita, y, agarrensen que viene lo bueno... secuestraron al general del ejército de aire, Mishima salió a decirles a los soldados del ejército que recuperaran el antiguo honor del samurai, sabía que iba a fallar, que no le harían ni caso, así que delante del general se hizo el sappuru, el propio Morita fue el encargado de cortarle la cabeza. La noticia corrió como la polvora por todo el mundo. En youtube podeis encontrar escenas del discurso de Mishima y la noticia con tres de sus hombres arrestados (falta un cuarto y es que, según leí por ahí, el propio Morita también se suicidó).

Ese mismo día Mishima había entregado el último capítulo de su último libro "la corrupción de un ángel", el último libro de la tetralogía "El mar de la felicidad" (pendiente de leerlo)

Ahora, tras esta parrafada, comentemos el film...

La película, tal y como indica el subtítulo, es "una vida en 4 capítulos", dividida en 4 capítulos (que nos relaciona con su célebre tetralogía "El mar de la fertilidad", aunque sólo se adapte un único libro de la saga), los títulos de los capítulos son pertenencientes a su libro "Lecciones espirituales para jóvenes samurais" y a su vez narra tres historias: Mishima en su último día, el pasado de Mishima y, lo más curioso de todo, la adaptación teatral de alguna obra suya. En este último punto en donde he visto que Von Trier la ha visto para "Dogville" y "Manderlay" porque se trata de sus obras en una escenografía teatral, Paul Schrader, en apenas 15 minutos para cada uno, llega a adaptar "EL pabellón de oro" (Leído), "La casa de Kiyoko" y "Caballos desbocados" (segunda entrega de "El mar de la fertilidad)

Lo realiza con una curiosa escenografía, que bien mereció el premio en Cannes, como si fuera teatro puro. Parece como un modo de rellenar espacio, pero creo que es una genialidad de Paul Schrader para entender un poco más la compleja y controvertida mente de Mishima.

EL PABELLÓN DORADO (Sobre su concepción de la belleza) LA CASA DE KYOKO (Sobre su narcisismo) CABALLOS DESBOCADOS (Sobre su ideología) Schrader ha sido muy fiel con todo, tanto las adaptaciones (en 15 minutos ha resumido "El pabellón de oro" de una manera estupenda) como en la propia vida de Mishima, incluso recreando escenarios y situaciones como eran (repito, en youtube podeis encontrar muchos videos sobre el propio Yukio Mishima)

Se sustenta por un estupendo reparto (aunque el protagonista tartamudo de "El pabellón de oro" no me gustó, era ridículo), al frente del cual está un inmenso Ken Ogata (sí, está inmenso, pero físicamente no se parece en nada a Mishima, el actor que hace de Morita sí que se le parece más; pero el único desliz interpretativo es su escena final final)

Una estupenda fotografía que combina color, B/N y mezclas de ambos (mereció el Premio) y una buena música de Phillip Glass, en un film curioso, muy recomendable tanto para los conocedores de la obra de Mishima como los profano.

Muy recomendable, me ha gustado mucho. La mejor película del, por lo general, irregular Paul Schrader (en su faceta como director)

Un 8

"Tetsuo" Shinya Tsukamoto 1988

TITULO ORIGINAL Tetsuo
AÑO 1988
DURACIÓN 67 min.
PAÍS Japón
DIRECTOR Shinya Tsukamoto
GUIÓN Shinya Tsukamoto & Kei Fujiwara
MÚSICA Chu Ishikawa
FOTOGRAFÍA Shinya Tsukamoto
REPARTO Tomoroh Taguchi, Kei Fujiwara, Nobu Kanaoku, Renji Ishibashi, Naomasa Musaka, Shinya Tsukamoto

Habrá quien al leer la sipnosis y teniendo en cuenta el título del film habrá pensado primeramente en el manga y en la película "Akira" de Katsuhiro Otomo en que un personaje, Tetsuo aparecía al final ligado su cuerpo al metal como un nuevo estado de su cuerpo.

Rodada en 16 mm. En blanco y negro, casi sin diálogos y con cuatro perras. Tetsuo ¿nos cuenta? una visión sobre el hombre de hoy en día ligado a las máquinas y al metal de tal modo que no sería extraño que un día de estos sangre y metal se fundiera en uno (ya hay casos) dando lugar a un nuevo estado del ser humano (algo así como en "2001, una odisea del espacio")

Pero es que "Tetsuo" me ha parece un caso, lleno de escenas que sobrepasan lo extremo, de tal modo que es facil encontrarnos con imágenes explicitamente gore y sexuales (Clive Barker ha elogiado esta visión de mezclar lo gore con lo sexual) de tal modo que tenemos penetraciones con aspiradores, pene-taladros que atraviesan al personal; una especie de atracción homosexual entre el protagonista y el fetichista de metales (que es el propio Tsukamoto), granos de metal que estallan litros de sangre, y demás imágenes muy peturbadoras, de pesadilla.

Lo que está a su favor es el arduo trabajo que Shinya Tsukamoto tuvo que hacer. Producida por él mismo por medio de la compañía de teatro para la que trabajaba, la "Kaiju teather" ("El teatro de los monstruos marinos") reciclada hoy en productora de cine y teatro. Además él se encarga del guión, la dirección, la fotografía, el montaje, la dirección artística, el diseño de vestuario y le queda para interpretar al malvado fetichista del metal. La música de Chu Ishikawa es una imitación del ruido del metal acorde con las imágenes que nos va ofreciendo tsukamoto.

También destacar un elaborado trabajo del stop motion para los efectos especiales (también obra de Tsukamoto) incluso para el transporte de los personajes por medio de Tokyo. Un arduo trabajo que le llevó 2 años.

Realizada en blanco y negro (interesante trabajo fotográfico), con apenas diálogos de tal modo que se acerca al cine mudo que tanto le gusta a su director, de hecho dijo que se inspiró en el "Metrópolis" de Frizt Lang, aunque tiene su estética muy del manga. La creación de los "monstruos" proviene de su fascinación por las "kaiju eiga", el género japonés de monstruos como Godzilla (llamado en japón Gojira) y para su creación Tsukamoto metió mucho ingenio y los disfraces resultan ser una almagana de productos que halló en la basura y que fue poniendolos en los actores.

Al finalizar el rodaje Tsukamoto tuvo muchos problemas. Muchos de sus compañeros se desentendieron de él porque no les gustaron el resultado final, incluso sus propios padres le echaron de casa. Tsukamoto estuvo a punto de quemar las copias y olvidarse del cine para siempre pero recibió una llamada del Festival de Tokyo para su exhibición y de Roma. Desde entonces se inició la fama de la película.

La película se encuadra dentro del género del "cyberpunk". De hecho, William Gibson, considerado el padre de este movimiento, considera a "Tetsuo" como la primera película cyberpunk. Es como "Un perro andaluz" pero inscrito en este nuevo movimiento. Tarantino ha quedado fascinado, pensó en hacer una secuela pero por fortuna Tetsuo se encargó de ello (pendiente de verla); Darren Aronofsky asegura que esta película le inspiró para crear "Pi, fe en el caos" su primera película. Incluso a inspirado a más películas como "Matrix".

En fin, una historia que creo que no me ha gustado mucho, una de las películas más rara que he visto (y mira que me gusta lo raro y experimental), muy perteneciente al universo lynchiano (sin embargo este me gusta, pero aquí no mucho) pero que sin embargo tiene toques imaginativos, aunque lo más interesante es ver cómo ha hecho todo esto con ingenio y cuatro perras. Pero es que la historia tela marinera, un servidor no es que la haya pillado bien, tiene un ritmo muy frenético de tal modo que su única hora se te pasa rápido, pero es que es tan frenética que apenas de enteras de nada de la función.

Ya digo muy lynch, muy Kafka, muy de pesadilla, vais a estar preguntadoos qué demonios pasa aquí durante toda la película Por ello, valorando su tecnica le doy un 4, dudo mucho de su nota, es que no sé en qué pensar, pero la volveré a ver, seguro (también la secuela). Eso sí, a pesar de todo sí que merece la pena verla. O al menos no quiero ser el único de aquí que la ha visto. xD

un 4

"Kafka en la orilla" de Haruki Murakami

Bueno también voy a dar a conocer otras cosas como libros escritos por autores asiáticos. La última lectura ha resultado ser "Kafka en la orilla" del prestigioso Haruki Murakami.

Kafka Tamura se va de casa el día en que cumple quince años. La razón, si es que la hay, son las malas relaciones con su padre, un escultor famoso convencido de que su hijo habrá de repetir el aciago sino del Edipo de la tragedia clásica, y la sensación de vacío producida por la ausencia de su madre y su hermana, a quienes apenas recuerda porque también se marcharon de casa cuando era muy pequeño. El azar, o el destino, le llevarán al sur del país, a Takamatsu, donde encontrará refugio en una peculiar biblioteca y conocerá a una misteriosa mujer mayor, tan mayor que podría ser su madre, llamada Saeki.
Si sobre la vida de Kafka se cierne la tragedia –en el sentido clásico–, sobre la de Satoru Nakata ya se ha abatido –en el sentido real–: de niño, durante la segunda guerra mundial, sufrió un extraño accidente que lo marcaría de por vida.

Como en el mejor Murakami, pasado y presente, sueño y vigilia, se funden y solapan creando una atmósfera en la que resulta difícil discernir deseo y pesadilla.



Fascinante libro, de muy recomendable lectura, se lee de un tirón. Realidad y fantasía se entremeazcla en una magistral prosa. La única pega es que la historia tiene algunos puntos que no aclara, y es una pena.

Pero por lo demás, resulta ser un libro maravilloso, espero leer más de Haruki Murakami porque se las promete.

un 8 (es más dificil valorar un libro que una película)

Films asiáticos en Cannes 2007

Este es el cartel (bastante friki por cierto) de la próxima edición de Cannes 2007 (la 60ª), en que vemos en plan guerreros samurais a, entre otros, Pedro Almodóvar, Penélope Cruz, Bruce Willis,Samuel L. Jackson, Gerard Depardieu, Juliette Binoche y Wong Kar Wai.

Este año, hay una importante presencia asiática en la selección Oficial. Las películas asiáticas nominadas a la Palma de Oro son

- "My blueberry nights" (Francia-Hong Kong) debut en el cine de habla inglesa del chino, nacionalizado hongkonés, Wong Kar Wai (WKW para los amigos). Con un reparto impresionante en que incluyen nombres tales como Norah Jones, Jude Law, Rachel Weisz, Tim Roth, David Stranthairn, Natalie Portman, Ed Harris. Será el encargado de inagurar la Selección Oficial. WKW es muy querido en Cannes, ya tiene la Palma de Oro a Mejor Director por "Happy together" (1997), también a Mejor Actor para el gran Tony Leung Chiu-wai por "Deseando amar" (2000) y estuvo nominado además por "2046" (2004). Además el año pasado fue Presidente del Jurado de Cannes.

- "Mogari No Mor" (Japón) de Naomi Kawase. El nombre no sonará mucho en Occidente, pero es una de las más respetadas directoras japonesas, aunque creo que no nos ha llegado nada de ella. No es la primera vez que participa en Cannes, ya ganó en 1997 la Cámara de Oro por "Moe no Suzaku" su opera prima, y estuvo nominada a la Palma de Oro en 2003 por "Sharasojyu"

- "Secret Sunshine" (Corea del Sur) de Lee Chang-dong (no dong como he leído por ahí), primera vez que compite por la Palma de Oro. Es el director de las celebradas "Oasis" y "Peppermint candy", que no han llegado a nuestras pantallas.

- "Breath" (Corea del Sur) de Kim Ki-Duk, primera participación en la Selección Oficial del reputado Kim Ki-Duk (de este sí que nos ha llegado muchas películas, especialmente las últimas que llegan con regularidad, algo que se agradece). No es la primera vez que Kim está en Cannes, pues, al parecer, una de sus anteriores obras, "El arco", se exhibió fuera de competición. Kim puede ser un rival duro de pelar, pues hay que ver lo que le han querido Berlin (Mejor Director por "Samaritan girl"), San Sebastián (Premio FIPRESCI para "primavera, verano, otoño, invierno... y primavera), Venecia (Premio FIPRESCI, León de Plata, Mención Especial del Jurado y Premio especial a Mejor Director por "Hierro-3"), Valladolid (Espiga de Oro por "Hierro-3") y Sitges (Mejores Efectos de Maquillaje)

Entre sus rivales pues tenemos a Tarantino, Abel Ferrara, los Coen, Carlos Reygada, Emir Kusturica, David Fincher, Fatih Akin y Julian Schnabel, entre otros. La lista completa, a no ser que en último momento se incluya algún nombre como ocurrió el año pasado con la argentina "Crónica de una fuga" que se coló en el último instante

- L’ Âge des Ténébres de Denys Arcand (Canadá). Clausurará la Selección Oficial.

- Une Vieille Maitresse de Catherine Breillat (Francia)

- Les Chansons D’Amour de Christophe Honore (Francia)

- The Diving Bell and the Butterfly de Julian Schnabel (Francia)

- Auf der anderen Seite des Lebens de Fatih Akin (Turquía)

- No Country For Old Men de los hermanos Coen (Estados Unidos)

- Zodiac de David Fincher (Estados Unidos)

- We Own the Night de James Gray (Estados Unidos)

- Promise Me This de Emir Kusturica (Serbia)

- 4 Luni, 3 Saptamini si 2 Zile de Cristian Mungiu (Rumanía)

- Tehilim de Raphael Nadjari (Francia)

- Luz Silenciosa de Carlos Reygadas (México)

- Persepolis de Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud (Francia)

- Import/Export de Ulrich Seidl (Alemania)

- Alexandra de Alexander Sokurov (Rusia)

- Death Proof de Quentin Tarantino (Estados Unidos)

- The Man From London de Bela Tarr (Hungría)

- Paranoid Park de Gus Van Sant (Estados Unidos)


- The Banishment de Andrey Zvyagintsev (Estados Unidos)

De todos modos esto no es mas que un esbozo, cuando empiece Cannes posiblemente de más información sobre estas películas y cómo van sus caminos hacia la Palma de Oro.

¿Quién ganará?

"Himalaya" E. Valli, 1999

TITULO ORIGINAL Himalaya - l'enfance d'un chef
AÑO 1999
DURACIÓN 108 min.
PAÍS Nepal
DIRECTOR Eric Valli
GUIÓN Eric Valli, Nathalie Azoulai, Olivier Dazat, Louis Gardel, Jean-Claude Guillebaud
MÚSICA Bruno Coulais
FOTOGRAFÍA Eric Guichard & Jean-Paul Meurisse
REPARTO Thilen Lhondup, Gurgon Kyap, Lhakpa Tsamchoe, Karma Wangel, Karma Tensing
PRODUCTORA Coproducción Francia / Suiza / GB / Nepal

Himalaya narra la historia de una milenaria tradición: la caravana anual de yaks, en la que se transporta sal desde un remoto pueblo en las montañas hasta la llanura. El jefe de la tribu es quien encabeza la marcha, pero ante su inesperada muerte, es preciso escoger un sucesor. En este momento surgen las rivalidades entre los miembros de la tribu y las diferencias entre el nuevo sucesor y el hombre "sabio" y consejero de la tribu les llevarán a iniciar la expedición por separado, siguiendo rutas diferentes y enfrentándose a situaciones extremas...

Nominada al Oscar a Mejor Película de Habla No Inglesa representando a Nepal.
Ganadora de 2 Premios César a Mejor Música (Bruno Coulais) y Mejor Fotografía (Eric Guichard & Jean-Paul Meurisse)
Nominada a la Mejor Fotografía (Eric Guichard y Jean-Paul Meurisse) en los Premios del Cine Europeo

En 1998, el remoto país de Nepal fue el último de todo el mundo en permitir la entrada de la televisión. En 1999 se rodaría la primera película nepalí, aunque con un importante capital francés, dicha película es esta que os presento. Aunque por desgracia hasta el 2006 no llegó a nuestras pantallas. Añadir que, de momento, creo que es la única película nepalí, si bien creo recordar que "Samsara" del hindú Pan Nalin, produción hindú, transcurre también en Nepal y con actores nepalíes, para ya la veré y comentaré.

Eric Valli es un afamado fotografo, especializado en fotografiar a las gentes del Nepal desde que tenía 21 años, de tal modo que muchas de sus fotos han logrado ser portada del "National Geographic". Pero también ha realizado algunos documentales sobre estas tierras.

Es muy amigo de los habitantes de la región del Dolpo, en donde sus caravineros transportan la sal para su supervivencia. De tal modo que estos caravineros se interpretan a sí mismo en el film.

"Himalaya" es un film cuasidocumental, más bien antropológico que paisajístico o animal. Con pequeñas pinceladas, Valli nos ilustra con la vida cotidiana de estas gente del Dolpo.

La historia arranca cuando el guía de la caravana muere en un accidente, su padre cree que murió asesinado y prentende ocupar su puesto en vez de a quien le debería corresponder. Por otro lado, el anciano se llevará a su nieto para que vaya aprendiendo este oficio.

Reza el subtítulo del film como "l'enfance d'un chef", es decir, "La infancia de un jefe" y efectivamente de eso trata. No quiero decir que sólo trate del niño, que deberá crecer para convertirse en un buen jefe de caravaneros, sino también en su abuelo y en el otro caravanero, cuyas testadurez nos hace pensar que se comportan como chiquillos. Hasta el monje budista, ajeno a estas formas de vida, tiene cierta sensación infantil. Diría que el único personaje adulto de toda la función es la mujer, interpretado por Lhampka Tsamchoe, la mejor interpretativamente hablando, y la única que tiene algo de experiencia cinematográfica previa al haber aparecido en un papel casi extra en el film "7 años en el Tibet" de Jean-Jacques Annaud.

Define, además, Eric Valli, la pelicula como "Wersten himalayo" y esto se puede ver en el duelo que se establece entre ambas caravanas humanas (caravanas humanas que nos puede rememorar a algún film de John Ford como "La diligencia"), me refiero a humanas en el sentido que no se trata de ir y volver con la sal, sino que profundiza en los personajes, tal y como hacía John Ford.

Son actores no profesionales, está rodada en espacios naturales, en la propia región de Dolpo. Rodada en 32 semanas, con un equipo de sólo 20 personas, a unos 5000 metros de altura, con los riesgos que supone como rodar a temperaturas de hasta -40º, con 200 porteadores.

La película tiene una fotografía maravillosa, pero es que además tiene una impresionante música compuesto por el maestro Bruno Coulais ("Los chicos del coro", "Vidocq"), tengo un amigo que le apasiona la buena música del cine. Señor Morfeo, le recomiendo que se haga con su banda sonora, es IMPRESIONANTE.

Entre sus debilidades, pues mal doblaje español (espero verla en VOSE) y algunas lagunas cinematográficas propias de alguien todavía un debutante tras las cámaras (cinematográficas, no fotográficas. Sin embargo, me parece un film muy interesante, con un importante valor antropológico y documental.

Destacar además que entre los productores de la película, nos encontramos al propio Christopher Barratier, director de la ya citada "Los chicos del coro".

Actualmente Eric Valli ha estrenado, en Francia, su nueva película, titulada "La Pista" y que transcurre en el desierto de Namibia, en África.

Un film muy digno de ver. Recomendable.

Valoración: 7'5

"El principio del fin" V.V.A.A

Interesante libro sobre la denominada nueva "nueva ola" del cine japonés que se caracteriza por una ruptura con los anteriores movimientos del cine nipón.

Hay repasos y estudios exhaustivos sobre directores contemporáneos tales como Sabu, Kiyoshi Kurosawa, Hirokazu Kore-eda, Takashi Miike y otros mas.

Un libro de recomendable lectura, breve, conciso, aunque haya conceptos que puedan escapar un poco al lector medio.

Cuesta unos 20 euros.

"La calle de la vergüenza" K. Mizoguchi 1956

TITULO ORIGINAL Akasen chitai
AÑO 1956
DURACIÓN 85 min.
PAÍS Japón
DIRECTOR Kenji Mizoguchi
GUIÓN Masashige Narusawa (Novela: Yoshiko Shibaki)
MÚSICA Toshiro Mayuzumi
FOTOGRAFÍA Kazuo Miyagawa (B&W)
REPARTO Machiko Kyô, Aiko Mimasu, Ayako Wakao, Michiyo Kogure, Kumeko Urabe, Ayasuko Kawakami, Hiroko Machida, Eitarô Shindô, Sadako Sawamura, Toranosuke Ogawa
PRODUCTORA Daiei Films

Nos encontramos en un barrio de Tokio, y concretamente en un burdel llamado El País de los sueños. Son momentos difíciles para el local y toda su zona, ya que el Parlamento está debatiendo una ley para condenar la prostitución. A lo largo del film se explica la vida de diferentes prostitutas: de cómo las circunstancias les obligaron a vender su cuerpo, pero también de cómo intentan escapar de esta situación.

Nominada al León de Oro del Festival de Venecia 1956.

Obra póstuma del maestro Mizoguchi, realizada precisamente cuando en Japón la Dieta (el sistema de gobierno japonés) debatía por cuarta vez sobre la posibilidad de ilegalizar la prostitución.

No se trata únicamente de un film sobre prostitutas, de hecho diría que no habla mucho de la prostitución, ni la critica ni la ensalza, simplemente Mizoguchi se mantiene neutro en esta posición puesto que le interesa más las historias de sus protagonistas. Efectivamente es eso, una película de mujeres, pero también del enfrentamiento entre ilusión y realidad que viven ellas. No hay ni una clara protagonista, de tal modo que estamos ante un film coral protagonizado por cuatro mujeres bastante dispares entre sí.

Destaco especialmente la figura de Mickey, interpretada por la célebre actriz Machito Kyo (Rashomon, La hierba errante), que es la más moderna del grupo, viste a la occidental, y es debido al cambio que comienza a sufrir la sociedad japonesa tras su derrota en la II Guerra Mundial, una sociedad que va a pasar de unas formas de vida tradicional hacia otras más modernas.

Esto también coincide con una época en que las mujeres cambian, ya no aguantaban ser consideradas a la misma altura que los seres marginales o tullidos y empiezan a buscarse la vida alejandose de esos modos tradicionales, de su papel de ser madre, debían ser lo que se denominaba “ryosai kenbo” (Buenas esposas y sabias madres) y se encargaban de la familia mientras sus esposos se encargan de los negocios. La mujer comienza pues a salir del campo para ingresar en la sociedad por su cuenta, buscar sus propios recursos, comienza a haber mujeres universitarias, un proceso que será lento pero constante y que queda grabado también en la cinematografía nipona. De hecho todo esto queda reflejado en el propio personaje de Mickey, chica que huye de un destino tradicional de esposa y madre para buscarse la vida aunque tenga que hacer daño a sus propios padres. Hay una escena en que Mickey se sube a una concha y en tono burlón dice "Soy Venus", alegoría al cuadro de Botticelli, tal vez queriendo representar el nacimiento de una nueva mujer (o el nacimiento de una nueva sensualidad/sexualidad según otras fuentes)

En cambio, Yasumi es la más tradicional y la única de las cuatro cuya entrada fue por imposición familiar con lo que malignamente se aprovechará a la sociedad machista que la condenó. Claramente encarna el papel de la mujer anterior a la II Guerra Mundial. Las otras dos mujeres se mantienen un poco en el limbo, entre ambas vertientes.

Como curiosidad decir que el personaje de Yasumi es claramente identificable con Suzu, la hermana del cineasta, que también fue vendida a un burdel, pero que gracias a ella (y sus contactos) Mizoguchi llegó a director de cine.

Mizoguchi fue un director que conocía bien este mundo, pues creció cerca de Yoshiwara, el barrio de las prostitutas en donde transcurre la acción (de hecho quiso rodarla allí, pero no le dejaron)

¿Por qué hay un enfrentamiento entre realidad e ilusión? Pues porque esas mujeres viven en un mundo de ilusión en el burdel (que de hecho se llama “País de sueños”), pero cuando salen se golpean con la dura realidad, los clientes mismos entran en el burdel con promesas de ilusión para abandonar la cruda realidad. De hecho, una de las protagonistas, Yumeko, que tiene un hijo mayor, su nombre mismo significa “niña soñadora”.

La película fue uno de los mayores éxitos taquilleros de Mizoguchi, algo a lo cuál no acostumbraba, pero curiosamente se dice que fue este film el que impuso definitivamente la posterior ley que prohibiera la prostitución en Japón.

Brillante de principio a fin. Con unos excelentes retratos femeninos. Se trata de una obra muy recomendable. Tal vez el único pero es que la música a veces chirría bastante.

Valoración: 8'5

Bienvenidos

Bienvenidos a este blog.

Se trata de un blog nacido para dar a conocer el tan desconocido cine asiático por medio de comentarios de películas, libros o incluso biografía de estrellas relevantes de la pantalla asiática.

Decir que en los comentarios de las películas, la información se saca de otros libros que iré colgando, aunque también habrá reflexiones propias.

También se irán colgando otros modos de conocer la cultura oriental ya sea, por ejemplo, por medio de su literatura.

Nada mas. Solo espero que disfruten de este blog.

Saludos.